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Sаznаj više o Francisco José

• ¿Desde cuándo tienes esta pasión por la música y más concretamente por tu instrumento preferido?

  Desde que tengo memoria. Antes incluso de saber leer, ya estaba explorando el teclado como quien descubre un lenguaje secreto. El piano llegó a mi vida de forma natural, casi inevitable, en las horas de guardería.
  Con el tiempo entendí que no era solo una afición: la música se convirtió en una forma de mirar el mundo, de comprenderlo y de expresarme en él. El piano ha sido mi compañero constante, mi refugio, mi voz y, más adelante, el eje sobre el que he construido mi formación académica y mi vida profesional.
  
  Lo que empezó como un juego se transformó en una pasión consciente, y hoy sigue siendo un viaje vivo, lleno de matices, descubrimiento y emoción. Esa misma pasión es la que intento transmitir a cada alumno que se sienta frente al teclado: no solo a tocar, sino a sentir y pensar la música desde dentro.

• ¿Qué canción podrías escuchar en bucle siempre con el mismo entusiasmo (sin volverte tarumba)?

  Elegir solo una es casi imposible, pero si tuviera que hacerlo, probablemente serían el Adagio del Concierto de Aranjuez o Gaspard de la nuit de Ravel.
  
  Son obras que, aunque uno las conozca de memoria, nunca se agotan. Cada escucha revela un matiz nuevo, un color distinto, una intención que antes había pasado desapercibida. Incluso después de haberlas estudiado en profundidad —hasta el punto de dedicarles investigaciones académicas— siguen sorprendiendo. Y eso, en música, es pura magia.
  
  Me fascina esa sensación de que una obra no se “termina” nunca de conocer. Es como volver siempre al mismo lugar y descubrir que ha cambiado… o que quien ha cambiado eres tú. Ese tipo de música es la que me mantiene vivo como intérprete y como docente, y la que intento transmitir a mis alumnos: escuchar, tocar y pensar la música con curiosidad constante, sin rutina ni desgaste.

• Cuéntanos la clase más difícil que has tenido o la más sorprendente.

  Una de las clases más difíciles —y a la vez más reveladoras— fue con un alumno que llegó después de varias semanas sin haber practicado absolutamente nada. Ninguna nota estudiada, ningún objetivo cumplido. La situación pedía una reprimenda… pero ocurrió algo inesperado.
  
  Cuando se sentó al piano, empezó a improvisar. Sin partitura, sin preparación previa, construyó una pieza de una belleza y una sensibilidad sorprendentes. No era técnica pulida, pero sí había música de verdad, intuición, oído y emoción.
  
  En ese momento entendí que mi papel como profesor no es solo exigir disciplina o transmitir técnica, sino aprender a reconocer qué necesita cada alumno en cada instante. A veces es rigor, otras estructura… y otras, simplemente alguien que sepa ver el talento incluso cuando llega envuelto en caos.
  
  Esa clase me recordó que enseñar música es, en gran medida, un ejercicio de escucha profunda: escuchar lo que el alumno toca, pero también lo que es. Y desde ahí, acompañarlo para que su potencial no se pierda, sino que encuentre forma, dirección y sentido.

• Según tu opinión, ¿cuál es el instrumento más difícil de tocar? ¿Por qué?

  Probablemente la voz humana. No porque sea menos musical que otros instrumentos, sino precisamente porque es el más íntimo de todos. Es el único instrumento del que no puedes separarte ni observar desde fuera. No puedes afinarlo con una llave, cambiarle una cuerda o guardarlo en una funda al terminar.
  
  La voz es cuerpo, emoción, respiración y técnica al mismo tiempo. Todo lo que eres —tu estado físico, tu mundo interior, tu concentración— se refleja directamente en el sonido. No hay intermediarios ni refugio posible.
  
  Dominarla exige un control absolutamente integral: musical, técnico y humano. Y por eso me parece el instrumento más complejo, pero también el más honesto. Cuando suena bien, no es porque algo externo funcione, sino porque todo está en equilibrio por dentro. Esa exigencia es, para mí, la verdadera dificultad… y también su grandeza.
  
  Aun así, reconozco que el piano tiene una ventaja insalvable si quieres dominar la composición, la orquestación, la dirección o dedicarte a la producción de música. Son todas ramas donde la maestría al teclado es importantísima.
  
  Y además la destreza motriz, de coordinación y de disociación que desarrolla un estudiante de piano que solo toque preludios y fugas de Bach es inmensa.

• Según tú, ¿cuáles son las claves del éxito? (descartando la de sol y la de fa)

  Disciplina, sensibilidad y paciencia.
  
  La disciplina es la que sostiene el trabajo diario incluso cuando la motivación desaparece.
  La sensibilidad, la capacidad de escuchar de verdad: la música, al otro… y a uno mismo.
  Y la paciencia, imprescindible para respetar los tiempos del aprendizaje, del cuerpo y del arte.
  
  Para mí, el éxito en la música no se mide en fama ni en aplausos, sino en la profundidad de la relación que construyes con lo que haces. En cuánto te transforma el proceso, en cómo creces con él y en la honestidad con la que te enfrentas cada día al instrumento.
  
  Cuando esas tres cosas están en equilibrio, los resultados llegan. Y si no llegan como se esperaba, el camino sigue teniendo sentido. Eso, para mí, es el verdadero éxito.

• Cita 3 músicos con los que te morirías por hacer un dueto en un bar a las 2 de la mañana y por qué.

  Keith Jarrett, porque improvisar con él sería como mantener una conversación directa con el universo: sin filtros, sin red, solo intuición y escucha absoluta.
  
  Arthur Rubinstein, por su versatilidad, su inteligencia musical y esa chispa vital que hacía que cada nota sonara humana, viva, irrepetible. Imagino un dúo lleno de ironía, elegancia y placer por la música compartida.
  
  Clara Schumann, por el privilegio de dialogar con una mente adelantada a su tiempo, profundamente musical y lúcida.
  
  Y todo esto, por supuesto, en un bar de madrugada a la una de la mañana… con un buen piano afinado, luces bajas y la sensación de que la música sucede porque tenía que suceder.

• Cuéntanos una anécdota relacionada con tu trabajo como profe o que tengas de la época como alumn@.

  Una vez, al terminar un curso, un alumno me regaló una partitura escrita a mano. No era una obra conocida ni perfecta, pero estaba llena de intención. En la dedicatoria había escrito:
  
  «Gracias por enseñarme a escuchar lo que no está escrito».
  
  Me emocionó profundamente, porque resumía exactamente lo que intento transmitir en cada clase. La música no está solo en las notas, sino en lo que las rodea: el silencio, la intención, la escucha, y la imaginación con la que uno se enfrenta al instrumento.
  
  Ese momento me recordó que enseñar música va mucho más allá de corregir digitaciones o tempos. Se trata de ayudar a pensar, a sentir y a crear. Y cuando un alumno llega a entender eso, sabes que el aprendizaje ha calado de verdad.

• ¿Cuál es tu táctica para que tus alumn@s te consideren tod@ un/a Superprof?

  Escuchar antes de hablar. Cada alumno tiene su propio ritmo, su historia, sus miedos y sus objetivos, y mi primera tarea es comprenderlos de verdad.
  A partir de ahí, adapto el camino: combino exigencia y rigor con cercanía, humor y empatía. Creo firmemente que el conocimiento no está reñido con el disfrute, y que se aprende mucho más cuando uno se siente acompañado, comprendido y motivado.
  
  Mis clases son espacios para equivocarse, preguntar y explorar, pero también lugares donde se trabaja con seriedad y ambición. Me implico de verdad en el proceso de cada alumno, celebro sus avances y le ayudo a superar los momentos de bloqueo, porque sé que ahí es donde más se crece.
  
  Si mis alumn@s me consideran un Superprof, creo que es porque sienten que no solo les enseño a tocar mejor, sino a confiar más en sí mismos y en su relación con la música.